Крупнейший антикварный портал для коллекционеров, антикваров и арт-дилеров.
 |
|
|
Одна из специфических черт российского антикварного рынка ≈ отсутствие узкой специализации. В любом крупном антикварном салоне, как в Греции, есть все: от западноевропейской салонной живописи до русской иконы, от мебели в стиле модерн до цветного стекла. |
При всей привлекательности и удобстве такого устройства рынка существуют серьезные недостатки, один из которых ≈ сложности, связанные с поиском конкретных вещей. В России нет галерей, обладающих хорошей коллекцией цветочных натюрмортов, зато во многих антикварных салонах можно увидеть одну-две подобные работы. Картины с изображением цветов относятся к числу хорошо продаваемых, хотя уступают в популярности пейзажу и марине.
Русские художники стали всерьез относиться к изображению цветов только на рубеже XIX√XX веков. Если мы проанализируем слово ╚натюрморт╩, выбранное для обозначения этого жанра, то увидим, что интересовало наших предков. ╚Натюрморт╩ в переводе с французского означает ╚мертвая природа╩. ╚Мертвую природу╩ и рисовали русские художники в XVIII веке. Наибольшей популярностью пользовались ╚обманки╩ ≈ картинки, которые создавали иллюзию прикрепленного к стене листа бумаги, вбитого гвоздя и т.д. Одна из причин пренебрежения к натюрморту заключается в том, что профессиональная живопись появилась в России только в XVIII веке. К этому времени период расцвета жанра натюрморта уже прошел. Почтительное отношение к нему сохранилось в английском и голландском вариантах названия. Вместо слова ╚натюрморт╩ англичане используют словосочетание ╚still life╩ (спокойная жизнь), а голландцы ≈ ╚Stilleven╩ (остановившаяся или замерзшая жизнь).
О большой популярности цветочного натюрморта в Голландии свидетельствует множество работ, сохранившихся с той поры, которые восхищают нас и сегодня. Картины старых мастеров хороши не только умелым построением композиции или удивительной способностью художников видеть и передавать на холсте самые незначительные детали. Каждое полотно содержит множество ╚оживляющих╩ подробностей ≈ по кожице плодов ползают насекомые, листья растений проедены гусеницами, на гусениц охотятся лягушки, ≈ но главное в другом: картины пропитаны особым духом, объединены некой идеей, которая и создает ощущение абсолютной гармонии.
В упрощенной форме это можно было бы назвать теорией теизма ≈ сознанием того, что весь мир пронизан божественной энергией. Все отражается во всем: малое в большом, а большое в малом. Окружающие нас вещи, существа и растения сами по себе и в сочетании с другими могут рассказать о многом. В окружающих предметах голландцы видели отражение извечного противостояния добра и зла, уродства и красоты, любви и ненависти. Эразм Роттердамский писал: ╚Любая вещь имеет два лица┘ и лица эти отнюдь не схожи одно с другим. Снаружи как будто смерть, а посмотри внутрь ≈ увидишь жизнь, и, наоборот, под жизнью скрывается смерть, под красотой ≈ безобразие, под изобилием ≈ жалкая бедность, под позором ≈ слава, под ученостью ≈ невежество, под мощью ≈ убожество, под благородством ≈ низость, под весельем ≈ печаль, под преуспеванием ≈ неудача, под дружбой ≈ вражда, под пользой ≈ вред╩. Все это было поводом для создания натюрмортов с цветами, которые, благодаря разработанной символике цветов, плодов и предметов, превращались в увлекательные повествования.
Эмблематические сборники, издававшиеся на протяжении всего XVII века, являлись хорошим пособием в расшифровке картин. Те, кто был знаком с подобной литературой, не испытывали больших проблем в толковании картин, поскольку знали, что изображение часов ассоциировалось с понятием времени, музыкальной трубы или горна ≈ со славой, античной скульптуры ≈ с искусством. Драгоценные серебряные сосуды олицетворяли богатство. Белая лилия говорила о непорочности. Белая роза свидетельствовала о платонической любви, а красная ≈ о плотской. Тюльпаны были символом быстро уходящей красоты, разведение этих цветов считалось одним из самых суетных и тщетных занятий. Увядший цветок намекал на исчезновение чувства, а чертополох связывали с понятием зла. Очень часто на полотнах встречается виноградная кисть, которая одновременно напоминала об искупительной жертве Спасителя за грехи человечества и свидетельствовала о наступлении осени; порхающая бабочка символизировала бессмертие души. Заморские экзотические раковины, предмет коллекционирования, намекали на неразумную трату денег.
В XVIII веке в Европе утверждаются идеи Просвещения, и староголландское понимание жанра натюрморта теряет свою актуальность. На смену сложным символико-аллегорическим повествованиям пришли эмблематические трактовки изображений цветов.
Работы выпускников класса ╚цветов и плодов╩ Петербургской Академии художеств середины XVIII века являются хорошей иллюстрацией происходивших перемен. Известны изображения цветов и фруктов, выполненные Алексеем Бельским и Иваном Фирсовым. Большой популярностью пользовались десюдепорты (монументально-декоративные панно над дверью). Эти произведения рассматривались как эмблемы, например, ╚великий букет, или связка цветов╩ обозначал ╚Токмо отечество мое мне нравится╩. Изображение разнообразных цветов ≈ от бутонов до пышно распустившихся ≈ показывало течение человеческой жизни, а символика цвета намекала на различные характеры и темпераменты людей. Однако в 1795 году класс ╚цветов и плодов╩ прекратил свое существование, в стенах Академии не осталось места для цветочных натюрмортов.
Тем не менее, коллекционеры живописи продолжали покупать картины старых ╚голландцев╩. Значительное количество этих работ хранилось и в эрмитажном собрании, которое часто посещали ученики Академии художеств. В их обязанности входило копирование произведений знаменитых мастеров прошлого, в том числе голландских. С 1830-х годов ученики и выпускники Академии начинают самостоятельно создавать полотна в стиле ╚старых мастеров╩. Первым и самым известным из этих художников был И. Хруцкий ≈ академик живописи цветов и фруктов. Его натюрморты имели у петербургской публики большой успех. Чтобы удовлетворить запросы столичных любителей живописи, Хруцкий вынужден был писать копии со своих же работ, иногда внося ╚новые╩ детали: подсвечник с горящей свечой, тлеющую сигару, спички в бумажной обертке, обрывок расходного счета с лежащей на нем мелочью. Однако сам художник довольно низко ценил эту работу. Через некоторое время он перестал писать эффектные натюрморты, перейдя к религиозной живописи и портретам.
Пример Хруцкого показателен для России XIX века. Цветочные натюрморты ╚под голландцев╩ создавали многие художники, особенно в годы ученичества. Но никто из них не относился к этому жанру живописи всерьез. С одной стороны, это был один из этапов становления мастерства художника, подобно тому, как на более ранней стадии все обучались рисованию голов античных статуй, с другой ≈ способ ╚легко╩ заработать.
В этом отношении показательна работа Федорова 2-го из антикварного салона ╚Русская усадьба╩. О символическом подтексте здесь не может идти и речи. Все усилия художника направлены исключительно на решение живописно-художественных задач. Предметы, составившие натюрморт ≈ виноград, тыква, букет цветов, ананас, недоеденный персик, античная ваза и бюст Наполеона ≈ свидетельствуют о желании сочетать модные, экзотические и живописные вещи, дабы поразить зрителя изобилием и игрой красок. Это эффектная картина, но не более.
╚Натюрморт╩ В.Д. Сверчкова проще и отличается более правильной композицией, хотя этот художник приобрел известность благодаря изготовлению живописных витражей, а не созданию натюрмортов.
В начале XX века, когда натюрморт вошел в число самых популярных жанров живописи, сохранились художники, которые продолжали писать изображения цветов, придерживаясь традиций живописного языка ╚старых голландских мастеров╩. Один из них ≈ А.А. Харламов ≈ известный русский портретист, с 1869 года проживавший во Франции. Его ╚Цветы╩ из антикварного салона ╚Александр-Арт╩ ≈ образец совершенного владения техникой мастеров прошлого, при абсолютном отсутствии каких-либо подтекстов, пример салонной эстетской живописи. Еще один подобный вариант ≈ ╚Натюрморт с цветами╩ эстонского живописца А.А Гирва. Этот ученик Клевера расположил фужер, вазу для фруктов, кувшин, горшок, цветы и фрукты в соответствии с голландскими традициями построения композиции. Использованные в натюрморте предметы были созданы в начале XX века. Сочетание старых живописных приемов и современных предметов привело не столько к смешению стилей, сколько придало произведению аромат вневременности, что и было одной из задач живописцев, подражавших ╚старым мастерам╩. Они никогда не стремились сотворить нечто новое или воссоздать реальность. Куда больше их увлекали стилизации в духе живописи мастеров прежних времен (в данном случае голландских).
В русской живописи XIX века красивые цветы и растения часто использовали в качестве изящного дополнения. Цветы ≈ обязательный атрибут аллегории весны, белые лилии ≈ символ чистоты и непорочности. Цветами украшали шляпку или платье дамы, они могли оказаться в руках у юной красавицы. В целом же отношение к цветам, как оживляющему полотно живописному пятну, было типичным для русских художников, долгое время проживших в Италии. Они писали пейзажи с изображением цветущих растений или украшали унылые покои вазой с красивыми цветами, как на картине С. Бакаловича ╚Помпеянка╩. После окончания Академии художеств Бакалович уехал в Италию, где и остался навсегда. Его любимая тема ≈ вариации на античные мотивы, выдержанные в соответствии с современными вкусами. Яркий букет цветов на сером фоне был типичным приемов для салонной живописи второй половины XIX века. Большие и малые букеты кочуют с картины на картину, в одних случаях они тщательно прописаны, в других ≈ едва намечены быстрыми штрихами.
Во второй половине XVIII века возник повсеместный научный интерес к изучению, классификации флоры и фауны. Во многих странах Европы начали издавать атласы с раскрашенными гравюрами местных цветов, плодов и растений. Вскоре сложилась школа художников, специализировавшихся на совершенном (фотографическом) изображении растений. Большое развитие это направление получило среди германских народов. Там до сих пор проявляют большой интерес к изучению цветов и растений на примерах европейской живописи. В частности, в берлинской картинной галерее проводится специальная экскурсия по цветочным натюрмортам, популярностью пользуется серия книг, посвященная изображению разных видов цветов в искусстве. Увлечение созданием точных изображений не обошло и Россию. Лучшие работы в этом стиле были созданы Федором Толстым. Его акварели с цветами, ягодами, бабочками и птицами сочетают научную достоверность с поэтической любовью к красоте природы. Они ≈ свидетельство большого художественного таланта художника. К сожалению, работы Толстого на антикварном рынке встречаются редко и стоят недешево.
Атласы с изображением растений и цветов Европы заинтересовали и художников по фарфору. Новаторами в этой области стали мастера Мейсенской мануфактуры. Нововведение пришлось по вкусу. До сих пор на Мейсене выпускают предметы с изображением ╚цветов Саксонии╩, которые впервые появились на мейсенской посуде в середине XVIII века. В конце XVIII века в Копенгагене был создан знаменитый сервиз ╚Флора Даника╩, насчитывавший более 1500 предметов. Он расписан изображениями дикорастущих цветов Дании, за основу взяты иллюстрации из труда о ботанике ╚Флора Даника╩. В России подобных опытов не было: художники копировали изображения цветов не с гравюр, а непосредственно с мейсенской посуды. Уже в Екатерининское время мейсенские букеты стали основным мотивом посудной росписи. Цветы ╚прижились╩, но русские художники отказались от точной передачи анатомического строения растений. Они отдали предпочтение красочной стилизации, созданию ярких, сочных, фантастических букетов. К началу XX века красочно-цветочная феерия стала столь привычной, что сами фарфоровые предметы стали частью цветочных натюрмортов Кустодиева, Головина, Судейкина, Петровичева, Клевера (сына). Для художников, занимавшихся росписью фарфора, стало обычным делом пробовать свои силы в создании натюрмортов, как это видно на примере работ Щекотихиной-Потоцкой.
На рубеже XIX√XX веков новое понимание цветочного натюрморта предложили Левитан, Грабарь, Коровин, Жуковский. В своих работах они мастерски объединяли особенности пейзажного жанра с натюрмортом, располагая цветы на подоконнике, террасе, столе, стоящем среди сада или парка. Человеческий быт и природа сливались в гармоническое единство. ╚Цветок╩ В.Э. Борисова-Мусатова из ╚Русского модерна╩ не выделяется из окружающей среды, это всего лишь часть огромного сада...
Художники оценили достоинства и возможности натюрморта как самостоятельного жанра. Эволюцию можно проследить по картинам Коровина, который сначала изображал пышные букеты цветов на фоне ночного Парижа или моря в Гурзуфе, но потом отказался от построения сложных композиций, сосредоточив внимание на красоте самого букета. Великолепным примером в данном случае может служить картина ╚Натюрморт. Охотино╩ из антикварного салона ╚Александр-Арт╩.
Нельзя не отметить, что интерес к натюрморту на рубеже XIX и XX веков был связан с популярностью картин французских импрессионистов и постимпрессионистов ≈ Мане, Сезанна, Ван Гога, Гогена. В России было много их последователей. Один из них ≈ Николай Тархов. Он принадлежал к когорте пионеров русского импрессионизма, участвовал в дягилевской выставке русского искусства в Париже 1906 года. С той поры Тархов жил и работал в Париже. Его работы высоко ценили Бенуа, Малевич и Маковский. После революции наступил период забвения, и только несколько лет назад в России возродился интерес к его работам. Влияние Сезанна, Ван Гога ощущается в картине Николая Тархова ╚Натюрморт. Цветы, овощи, фрукты╩.
Самые последовательные русские сезаннисты ≈ художники объединения ╚Бубновый валет╩: Кончаловский, Машков, Лентулов, Фальк, Гончарова, Осмеркин. Они исповедовали здоровый материализм, влюбленность в яркую плоть вещей, грубоватую, почти лубочную выразительность. В их творчестве натюрморт занимал значительное место. Они смогли воссоздать самую плоть вещей, сделали физически ощутимым то, что импрессионисты только видели. Художники сумели зафиксировать материальную крепость вещи, уменьшить дистанцию между предметом и зрителем. Они динамически сместили и уравновесили живописные массы, в угоду художественной целостности деформировали, но не разрушили сами вещи. К сожалению, на антикварном рынке ранние работы этих художников встречаются нечасто. Зато цветочные натюрморты 30√50-х годов ≈ не редкость, более того, они составляют основную часть современного рынка качественного русского натюрморта.
30-е√50-е годы XX века характеризуются большим интересом к цветочному натюрморту не только со стороны русских сезаннистов, но и лидеров авангарда и беспредметной живописи. Классические натюрморты создает Удальцова, пишет красочные натюрморты на фоне пейзажей отец русского футуризма Давид Бурлюк.
Вплоть до 60-х годов натюрморт был ╚отдушиной╩ для художников, которые не служили новой идеологии. Они всецело отдались творчеству в своих маленьких мастерских, не имея возможности ни идеологически влиять на современное искусство, ни показывать свои работы на выставках. Натюрморт стал способом выражения лирических переживаний этих людей. Он ≈ летопись мирной жизни изгоев советского художественного мира.
И все же последнее слово в развитии натюрморта как жанра принадлежит не им. В 20-е√30-е годы в натюрморт начинает приобретать формы абстрактной живописи. Цветочные композиции образуют единую узорчатую поверхность с фоном: стол, цветы, рисунки, предметы превращаются в декоративный орнамент, подобный узорам на персидском ковре. Натюрморты Минчина, Ланского, Исаева созданы на грани между предметной и беспредметной живописью.
В заключение хочется отметить, что сегодня ситуация для собирания русского натюрморта очень благоприятна. Конечно, трудно найти хорошие натюрморты русских художников XVIII и XIX веков. Редко встречаются и дорого стоят картины художников первого порядка, написанные до 1917 года. Но не расстраивайтесь: вы можете встретить поздние картины этих же мастеров, и стоят они почти в два раза дешевле ранних работ, а в антикварных салонах появились качественные натюрморты русских эмигрантов
и художников второго ряда.
